“新好莱坞”美学特征的具体体现

第四节　“新好莱坞”美学特征

客观来说,如果真的要对新好莱坞电影进行某种笼统、形而上的概括的话,最准确的,亦是最保守的描述就是,新好莱坞电影是对经典好莱坞的反叛与提高。确实,无论是在思想内核上,还是在电影语言、风格特征上,早期的新好莱坞(主要是指20世纪60年代至70年代初)都呈现出一种与经典好莱坞背离的态势,而到了70年代至80年代的新好莱坞,则更多地呈现出对主流的回归,当然,不是简单的重复和借鉴,而是大规模的加强和提高。

新好莱坞产生在越战和反战的大背景下,当然还有一系列的社会思潮和政治事件的催生,以及电影工业自身发展流变的影响。新好莱坞代表的是一个年轻的阶层——“新左派”,以“新左派”为代表的反主流文化者的性价值和社会价值观正深刻地冲击着当时美国的主流文化群。所以,在新好莱坞电影里,“新左派”的代言人大都是与主流社会背道而驰、越出正轨的非法之徒,而反派角色却成为了维护社会道义的护法、守法者。然而,应该注意的是,新的“反英雄”似的英雄并不能与经典强盗片中的“小恺撒”们画等号,尽管它们的主人公同为歹徒,尽管这些犯罪者们较之那些合法的追逐者显得更为人性、更迷人,也更富有同情心。

新好莱坞电影中的主人公遵循的是一套新的价值体系:照自己的方式活着,自由不受羁绊,对自己绝对地真诚。事实上,主人公所代表的“新左派”抱持的是一种永远年轻的自信,一种坚持把理想主义与爱情转化为现实的能力。同时,在政治上,“新左派”对权力阶层、军事和政治领导者始终持有一种深刻的怀疑态度,而他们自己提出的世界大同的政治理想,则对秩序的、虚饰的、精打细算、冷酷无情的主流文化给予了狠狠的一击。

在电影语言上,新好莱坞由“好莱坞经典叙事风格”中重叙事的传统逐渐地转变为让各种电影元素(场面调度、摄影机运动、表演、剪辑、照明、服装、道具等)本身得以放大,从而造成明显的加工痕迹和一定的间离效果。升格、跳接、定格画面、黑白与彩色混合使用等技法成为了新好莱坞标准且必然的技巧,而这些人为技巧有计划的使用给电影风格本身带来了一些影响。

首先,技巧的迅猛进入在对视听形成攻击的同时,也引起了一种新情感的产生——一种自由、浪漫、躁动的暴力情绪和风格。彩色与宽银幕、立体音响使花哨的技巧凸显得更具张力,从而充分地刺激观众的耳朵和眼睛。与此相应,“电影已经不仅仅是平铺直叙的讲故事,而成为了某种情感的暗喻。快剪辑,以及事件的前后迅速闪现(偶尔时间交织的错综复杂),完全破坏了时间与空间、现实与当时感情的连续,而故意牺牲现状连续”^[18]。

次之,电影技巧的第二个后果是新好莱坞逐渐将美国电影引向“强化的镜头处理”这种视觉风格(见第三节的论述)。强化的镜头处理制造了一种时刻不间断的密切关注。经典好莱坞时期的导演们仅用于强烈冲击和重大悬念的那些风格技巧,却在新好莱坞以及当代好莱坞电影中成为了普通场景的常用技法。不断变化的焦距,不断移动的镜头,不断交替的近景,对于观众来说隐含着随时可能出现的重大转折或契机；即便是很普通的场景,也要强化到足以引起观众注意和激发强烈的情绪反应,由此产生了一种强效应美学。大量的新好莱坞导演在银幕上实践着这种美学基础:卡萨维茨证明了大特写镜头在宽银幕上的震撼力；佩金帕和另外一些20世纪60年代的导演证明了快速切换的可行性；奥尔特曼发展了今日无所不在的推摄镜头；斯皮尔伯格借鉴了希区柯克《眩晕》中的伸缩镜头,来表现人物对周围环境的不安感,同时,他还借鉴了奥逊·威尔斯、威廉·惠勒的广角镜头并发展出扁平化景深的望远镜头。

在音响方面,声音不再是经典叙事的影子,不再隐藏在叙事背后,而是直接进入情节和人物的情感世界,突出该元素自身的力量。新好莱坞的音响创新主要体现在两方面:其一,从无声源音乐渐渐过渡到有声源音乐,观众能从画面中看到音乐的来源；即使是有意地、人为地插入音乐,也往往是要将音乐直接浇铸到情节和人物的情感世界里,突出音乐的力量。因此,在新好莱坞电影中,乐曲或是被割开、分段,穿插进各个场面之中(例如《逍遥骑士》),或是有意地随镜头作嘲讽的批评(例如奥尔特曼的某些影片),或是故意与视觉部分背道而驰,形成反差。其二,对音响的变形与扭曲。在一些新好莱坞电影中,声音的作用已无所不在,甚至被作为一种音响的试验,直接地放入生活之中,上升为整部影片的主题。在这一点上,科波拉的《对话》就是最好的明证。