西洋画概述

西洋画

指区别于中国传统绘画体系的西方绘画，包括油画、水彩、水粉、版画、铅笔画等许多画种。传统的西洋画注重写实，以透视和明暗方法表现物象的体积、质感和空间感，强调画作在一定光源照射下所呈现的色彩效果。

油画最早起源于欧洲，大约15世纪时由荷兰人发明，是西洋绘画的主要画种。它主要用亚麻仁油、核桃油等调制颜色来作画，一般多画在布板、木板或厚纸板上，其特点是颜色有较强的遮盖力，能充分表观物体的真实感、立体感和丰富的色彩效果。油画比较适合创作大型化、史诗化的题材，表现庄重、肃穆、宏大的艺术氛围。500多年来，油画一直受到画家们的青睐，也为广大艺术欣赏者所喜爱。

版画是以“版”作为媒介的一种绘画艺术，画家运用刀、笔或其他工具，在金属、石板、木板等不同材质上进行制版，通过印刷完成作品。根据版质的不同，版画可分为木版画、铜版画、石版画等。铜版画艺术典雅、庄重，历来都被公认为是一种名贵的艺术画种。它起源于欧洲，至今已逾六百多年。历代绘画大师都曾热衷于铜版画创作，留下了十分精美的作品，包括德国的丢勒，荷兰的伦勃朗，西班牙的戈雅，法国印象派的马奈、莫奈、西斯莱、德加和现代的毕加索、马蒂斯等。

文艺复兴时期的绘画

欧洲14—16世纪资本主义萌芽和初步发展时期的绘画，首先在意大利发端，相继在尼德兰、德国、西班牙、法国等国家和地区蓬勃发展。这一时期的绘画契合了文艺复兴“在古代规范的影响下，艺术和文学的复兴”的要求，体现了重视人的价值和个性，提倡人性和自由，表达对人的现世关怀的追求，坚持现实主义方法，坚持人文主义思想。这个时期的画家们，一方面向希腊、罗马的古典艺术借鉴学习;一方面通过实践和探索，发明了透视法，使人物和景物呈现出立体感;同时，还对油画的颜料配方进行改进，对西方绘画的保存和发展做出了巨大贡献。意大利的达·芬奇和拉斐尔是文艺复兴时期绘画艺术的杰出代表。达·芬奇的杰作《最后的晚餐》、《蒙娜丽莎》被誉为世界名画之首。拉斐尔则以塑造圣母形象闻名于世。

巴洛克绘画

巴洛克绘画

17世纪风靡欧洲的绘画风格。色彩华丽绚烂，强调装饰性，与文艺复兴时期庄重典雅的绘画风格有很大不同。巴洛克绘画讲究豪华、壮观，色彩辉煌浓艳;具有浓郁的浪漫主义色彩，画面充满了紧张的戏剧冲突，强调幻想、幻觉;富有激情，充满了强烈的感情色彩，表现了画家的内心世界;具有运动感，构图、色彩都充满了节奏和韵律;有浓厚的宗教色彩，多取材于宗教故事，把人们的理想引向对宗教的崇拜。巴洛克画家的典型代表是比利时的鲁本斯、荷兰的伦勃朗等。他们的画作色彩明快，强调光影变化，对西方绘画具有持久的影响。

罗可可绘画

罗可可绘画

18世纪，罗可可风格在法国兴起，随后波及欧洲其他国家。罗可可绘画追求华丽、纤巧和精致，用色清淡，充满了幽雅、华丽的感觉。罗可可绘画题材除了豪华的贵族生活以外，还有肖像、风景、神话以及平民生活等。罗可可绘画一方面不免浮华造作，缺乏对于神圣力量的感受;另一方面，又有法国式的轻快优雅，改变巴洛克绘画多取材于宗教的传统，转为表现凡人，开拓了绘画的表现题材，在反映现实上前进了一大步。代表画家有瓦托、布歇和弗拉戈纳尔等。罗可可绘画流传区域不广，很快被新古典主义绘画所取代。

新古典主义绘画

是18世纪末至19世纪初流行于法国的绘画思潮，又被称为“革命的古典主义”。新古典主义绘画体现了大革命时期资产阶级的要求，推崇古希腊、古罗马艺术传统，以文艺复兴时期的美学思想为指导，追求古典式的宁静庄重和考古式的精确，多选择严肃的题材进行创作，注重造型的完整性，强调理性忽略感性，强调素描忽视色彩。代表画家有大卫(也译作达维德)和安格尔。法国的新古典主义绘画对欧洲的一些国家也产生了影响，其中包括英国、德国等。当时一大批优秀的画家如威尔逊、桑德比、科赫和杰内利等都活跃在画坛上。

新古典主义绘画《萨宾妇女》

浪漫主义绘画

19世纪20—30年代兴起于法国的一种绘画风格。浪漫主义绘画是对当时新古典主义绘画的一次革命，反对古典主义对个性的压制，偏重于发挥艺术家自己的想象和创造，构图、光线、色彩、人物的动态表情等都表现了艺术家丰富的想像力。浪漫主义绘画多取材于中世纪的荒诞，也追求异国情调的传奇色彩;情感奔放，强调“感情高于理智”，“信仰高于理性”;强调色彩而淡化线条;还提倡对比的美学原则。代表画家有席里柯、德拉克洛瓦。席里柯凭借《梅杜莎之筏》被视为浪漫主义绘画的开创者，德拉克洛瓦则使浪漫主义绘画达到了顶峰，被誉为“浪漫主义狮子”。浪漫主义迈出了近代美术的第一步，给后来者提供了丰富的资源和借鉴，以及精神上的支持和鼓励。

浪漫主义绘画《梅杜莎之筏》

批判现实主义绘画

19世纪中期在欧洲蓬勃兴起的一个绘画流派。批判现实主义绘画排斥神话、宗教和寓言等题材，将时代社会生活和自然景物作为主要表现对象，常常直接刻画当时各阶层人物尤其是底层劳动人民的生活，反对美化、粉饰现实，力主如实、客观地描绘所表现的人物和事件，提出“为生活为民众而艺术”的口号，带有鲜明的批判性质。从绘画技法角度来看，批判现实主义绘画属于传统写实油画，沿用的是古典油画的多层多次间接画法，强调细节的真实性，强调形象的典型性，强调具体描写方式的客观性。代表人物有法国的库尔贝和米勒、德国女版画家柯勒惠支、俄国的列宾等人。批判现实主义绘画契合了当时人们渴望在艺术中看到自己生活的愿望和要求，也体现了画家关注现实、关注人生的艺术态度。

印象主义绘画

它也叫“印象派绘画”，是始于19世纪60年代的一种绘画风格和流派。它的出现是西方绘画史上一次较大的革命，是西方艺术划时代的里程碑。“印象主义”一名源自印象派画家莫奈的一幅题为《日出·印象》的油画。1874年的一天，莫奈、雷诺阿、塞尚等一群年轻的法国画家在巴黎举办了一次画展，被观点保守的记者撰文嘲讽为“印象主义画家展览会”，于是就产生了“印象主义”一词。印象主义绘画大胆抛弃传统创作观念和程式，忽视绘画的内容和主题，将关注的焦点转移到纯粹的视觉感受上，提倡户外写生，直接描绘阳光下的物象，用现代光学和色彩学的技巧表现光的效果。代表画家有马奈、莫奈、雷诺阿等。印象派使西方绘画进一步摆脱了对历史、神话和宗教的依赖，也脱离了讲故事的传统方式。可以说，现代绘画的发端是从印象派开始的。

印象主义绘画《睡莲》

后印象主义

它用来泛指那些曾经追随印象主义，后来又极力反对印象主义的束缚，形成自己独特艺术风格的画家。严格地说，后印象主义并不是一个流派，人们通常把塞尚、凡高和高更等人的绘画称为“后印象主义”。后印象主义反对印象派画家在描绘大自然光色变幻效果时所采取的过于客观的科学态度，主张艺术形象要有别于客观物象，须饱含艺术家的主观感受。例如，塞尚主张创造绝对的绘画，即绘画不再是对客观事物的模仿，而是注入画家主观解释的形体和结构;高更从强烈的主观出发，对客观事物获得的印象和感觉加以分析、综合，创造出一种突破时空制约的具有象征意义的绘画;凡高用明亮的色调与颤动奔放的线条传达了炽烈的思想。后印象主义直接影响了两大现代主义艺术潮流——强调画面结构秩序的立体主义和强调色彩、线条、节奏的野兽主义。

塞尚《水果盘、杯子和苹果》

20世纪西方现代绘画

20世纪以来，现代科技的发展改变了人与自然的关系，也改变了传统的生活方式，使现代画家不断创造和选择新的艺术语言去表现新的世界。20世纪西方绘画呈现出流派迭起、千姿百态的局面。自70年代后，现代西方绘画完全进入一个多元化的格局，画家们在更广泛的层面上探索绘画艺术，无风格流派可寻，花样翻新、层出不穷。其中，野兽派代表人物马蒂斯、立体派代表人物毕加索、超现实主义代表人物达利是影响广泛的3位现代派绘画大师。

野兽主义绘画

20世纪初西方现代艺术开始形成时期的一个画派。野兽主义画派存在的时间非常短暂，只有两三年，很快被立体主义所取代。

“野兽”一词，用来形容绘画作品中那种与常态相悖的令人惊愕的颜色和扭曲的形态。1905年秋，法国一个沙龙展览会展出了以马蒂斯为首的几名青年画家的作品，画风大胆，令人惊愕。一位评论家在一幅幅色彩狂野的绘画中看到了模仿意大利文艺复兴初期雕塑家多那泰罗风格的作品，便开玩笑说:“多那泰罗置身于一群野兽的包围之中。”从此，这个画家群体就被称为“野兽主义者”，代表人物有马蒂斯、鲁奥、弗里茨等。野兽主义主张色彩应该彻底纯化，以便更加清晰地表现画家的感情。弗里茨给野兽主义下的定义是:“通过颜色的交响技巧，达到日光的同样效果。狂热的移写(出发点是受到大自然的感动)在火热的追求中建立起真理的理论。”野兽主义是西方20世纪前卫艺术运动中最早的一个派别，他们继续着后印象主义画家们的探索，追求更为主观和强烈的艺术表现，对西方绘画的发展产生了重要的影响。

立体主义绘画

20世纪法国最重要的画派之一，对其后的各种现代派艺术都产生过不同程度的影响，创始人为勃拉克和毕加索。有评论家曾评论勃拉克的作品是“将风景人物、房屋，一切都变成了几何形与立方体”，于是人们称这一画派为“立体主义”。立体主义画家所关心的核心问题是怎样在平面的画面上画出具有立体感的自然形态。他们拒绝传统绘画中对光和空气的表现与描绘，创造了一种多维的浅透视，用许多相交的面(四方形、三角形、半圆形等)来表现物体，力求组织起一种几何化倾向的画面结构。为增强画面的立体感，画家在作品中甚至加入了拼贴，使用彩纸片、旧报纸、木纹纸和电车票等材料贴到画面上。立体主义绘画在西方艺术史上独树一帜，开创了综合表现手法的先河，对20世纪的雕塑和建筑艺术均产生了深远的影响。

抽象主义绘画

康定斯基《第一幅水彩抽象画》

由野兽主义、立体主义绘画演变而来的一种绘画艺术风格。抽象艺术是与具象艺术相对的名称，其特征是不以描绘具体物象为目标，而是通过线﹑色彩﹑块面﹑形体﹑构图来传达各种情绪，激发人们的想象，启迪人们的思维。抽象主义的产生受到了现代工业和科学技术发展的影响，现代社会中的速度、力量、效率等比较抽象的因素刺激画家们对抽象美进行积极探索。抽象主义绘画的奠基人是俄国画家康定斯基，他认为抽象的形式是绘画最具表现性的形式，“形式愈抽象，它的感染力就愈清晰和愈直接”。他在绘画中寻求非具象的表现，努力把内心涌现的意象表现出来。《第一幅水彩抽象画》被视为最早的一幅抽象绘画作品。这幅水彩画以稀薄的乳黄色涂底，勾画出不规则的色彩与形态，展现了一个陌生而神秘的世界。该画派融合了各种反传统绘画的因素，追求一种纯粹的心理体验和视觉快感，已完全不能用传统的方式去欣赏。

超现实主义绘画

超现实主义是20世纪初期起源于法国的一种文艺思潮，影响广泛。1924年，法国诗人布勒东发表了《超现实主义宣言》，指出超现实主义的宗旨是否认理性的作用，强调人们的下意识或无意识活动。精神分析大师弗洛伊德所创立的精神分析学说，对超现实主义艺术具有重要意义。根据弗洛伊德的观点，梦是无意识、潜意识的一种最直接表现形式，是本能在完全不受理性控制下的一种发泄，它揭露了人的灵魂深处的本质。超现实主义艺术家们纷纷用各自的作品强调梦幻的万能，用梦幻纠正现实，达到神妙的超现实境界。超现实主义最重要的代表画家是达利，他的画作充分表现了人的幻觉和潜意识中的景象，创造了现代艺术中令人心动又令人不安的梦幻景象，具有一种“真实的荒诞”。除达利外，超现实主义代表画家还有米罗、马格里特等，他们的作品对20世纪绘画和美学观念都有着重要的影响。超现实主义绘画拓宽了绘画表现领域，使画家们充分发挥想像力和创造力并运用各种手段进行创作，展示画境，释放了人类潜意识中的情感诉求。