形体的艺术语言

舞蹈运用形体艺术的语言，表达着富有魅力的形体之声。无论你是投身其中还是品味欣赏，都能得到精神上的享受与快乐。

今天，到处都能看到人们载歌载舞的场面：在城市的街心公园，锣鼓声的伴奏中的老年人在扭秧歌；在彩灯闪烁的舞厅里，朝气蓬勃的男女在劲爆热舞；在优雅的影剧院中，在演出浪漫温馨的芭蕾……舞蹈，是人类最古老的艺术形式之一。它的历史几乎和人类的历史同样悠久。根据现代考古学掌握的材料来看，古代先民们在狩猎捕鱼、播种收获、祭祀神灵祖先、出征打仗以至于婚丧生殖的时候，都要舞蹈。然而这些古老的原始舞蹈，功利目的远远大于娱乐和审美目的。只是到了奴隶社会晚期（例如中国的商周时期），它的娱乐和审美作用才变得重要起来。在现代社会中，舞蹈已经发展成为一种高级的综合性艺术。舞蹈欣赏，已经成为一种复杂的精神活动和审美过程，需要一定的文化基础和艺术修养。观众通过舞蹈作品中的舞蹈形象，去认识创作者所要反映的生活、思想和感情，同时得到演员身体的形体美、舞姿的造型美、动作的韵律美等多方面美的享受。在这种审美过程中还能得到启发、感染和教育。

在舞蹈欣赏过程中，想像力的作用十分重要。任何舞蹈，其动作、造型都不是生活动作的重复，而是经过选择、提炼和改造，具有相当的夸张性和虚拟性。演员根据想像中的环境、地点、气氛舞蹈，观众必须能根据他（或她）们的舞姿去想像这些环境、地点、气氛（当然，这在一定程度上还要取决于演员的表演水平）。另外，对音乐的理解也是舞蹈欣赏中的重要条件。就我们所能接触到的舞蹈来说，没有无音乐伴奏的舞蹈。而且在芭蕾舞、现代舞中有很多是先有音乐，然后才来编舞，那么舞蹈就成了音乐的解释手段。在完整的舞蹈演出中，舞蹈和音乐水乳交融，密不可分。因此，对音乐的理解，直接影响着舞蹈欣赏的水平。

古典舞蹈是各个国家或民族中具有传统风格和典范意义的代表性舞蹈，它是在专业舞蹈艺术家不断的提炼、加工和创造过程中形成的。古曲舞蹈共同的特征是：规范化的舞蹈技艺、程式化的表演手法、严格的训练体系和相对稳定的审美法则。例如欧洲的古典舞蹈，一般即指芭蕾；印度的古典舞蹈有六大派系：婆罗多、卡达克、卡塔卡利、曼尼普利、奥迪西和库吉普迪；日本的古典舞蹈有歌舞伎、神乐等。

中国古典舞蹈，由于年代久远、朝代更迭，大抵散佚失传。20世纪50年代以来，专业舞蹈工作者参考了保留在戏曲中的舞蹈身段和舞姿（如水袖等），结合大量的石窟艺术、古代壁画、画像石、出土文物中静止的舞蹈造型，复原创造，整理出一套韵律舒展雍容、动作明丽清新、造型典雅生动的古典舞蹈体系。用它创作的舞蹈如《春江花月夜》，舞剧《宝莲灯》、《小刀会》、《丝路花雨》等，在世界上都享有较高声誉。

顾名思义，民间舞蹈是来自民间、流传于民间的舞蹈。它以生动活泼、简便精干的形式反映广大人民群众的劳动生活、喜怒哀乐。不同民族和地区有不同的民间舞蹈，它们不同程度地受本民族和地区的生活方式、风俗习惯、宗教信仰、自然条件的影响，风格特色上有着显著差异。例如中国汉族民间舞《龙舞》、《狮舞》、《秧歌》、《高跷》等和新疆维吾尔族民间舞在韵律上、动作上、舞姿造型上就有很大差异；中非黑人舞蹈和北非阿拉伯舞蹈在节奏上、动作上也有天壤之别；欧洲的马祖卡（波兰）和美洲的踢踏舞也是毫无相似之处。一般说来，产生和流传于民间的舞蹈大多是集体舞，有时甚至可以形成成千上万人的大型集体舞，如景颇族的木瑙纵歌。我们平时在舞台上看到的单人、双人的民间舞蹈，常常是加工后的表演性节目。尽管民间舞蹈千差万别，但它们还是有共同的特点：自娱性——它在产生和流传过程中大多是为了自我娱乐；即兴性——民间舞蹈的动作规范性较弱，可以根据舞蹈者的能力自由发挥，有时还产生竞技性的舞蹈比赛，看谁的动作难度大、水平高；稳定性——由于总是在一定范围内流传，受外界影响较小，其风格特点基本保持不变。

芭蕾也许是目前观众最多、影响最大的一种舞蹈形式。芭蕾（ballet，法语）一词源于古拉丁字ballo，原意就是跳舞。但现在它的意义仅指这种有特定规范技巧、特定结构形式的舞蹈或舞剧。芭蕾最早出现在文艺复兴时期的意大利，作为盛大庆祝活动的演出节目之一。17世纪在法国宫廷，由于路易十四的支持而发展起来，它基本上从属于歌剧或话剧，是戏剧中的插舞或幕间的舞蹈表演。当时的表演者从国王到大臣都参加，女角也由男子扮演，演出地点只限王宫。所以这一阶段人们把芭蕾称为歌剧芭蕾或宫廷芭蕾。1669年，路易十四下令成立巴黎歌剧院，使歌剧、芭蕾等进入公共剧场。这是使芭蕾成为独立艺术的重要一步。法国作为芭蕾艺术的中心长达200年之久，直到19世纪下半叶，俄罗斯芭蕾舞派产生，芭蕾艺术中心才移到彼得堡。今天，苏联仍然是芭蕾艺术水平最高、技术力量最雄厚的国家。此外，法国、英国、意大利、丹麦、德国和美国都拥有享誉世界的舞团或艺术家。80年代以来，中国芭蕾艺术有了长足的发展，在国际重大芭蕾舞比赛中已成为一支不可轻视的力量。

在几百年的历史发展中，芭蕾形成了一整套十分严格的规范化基本技术。这些基本技术是1661年巴黎皇家舞蹈研究院成立之后，由著名宫廷舞师彼埃尔·博尚等13位院士首创的。它们是建立在伸展、外开、直线的审美观点之上的，包括5个脚的基本立姿和3个基本造型舞姿。19世纪发展起来的女子脚尖舞蹈技巧和双人舞的托举并未脱离当年确立的基本技术范畴。

芭蕾演出还具有规定的结构形式。不论是独幕还是多幕（多场）芭蕾，每一幕基本按照“出场——慢板——变奏——结尾”这一规定程序。其中“慢板”和“变奏”是舞蹈的核心部分。慢板一般是双人舞，由男女演员用扶持或托举技巧合作演出抒情舞段；“变奏”是由男女主要演员先分别表演独舞，用高技巧高难度的舞蹈表现人物的情绪、性格和思想，最后两人合作表演双人舞。“变奏”常常被选作国际芭蕾比赛的指定节目。

芭蕾演出中还有很多群舞场面，大多采用芭蕾化了的民间舞蹈。芭蕾艺术家把这种舞蹈叫做性格舞。例如《堂吉诃德》中的西班牙舞，《天鹅湖》中的拿波里舞、马祖卡舞等。

芭蕾欣赏中对音乐理解能力的要求较高。现在的芭蕾都有庞大的交响乐队伴奏，演出成功与否，音乐占很大比重。音乐中许多乐段实际上是在展开剧情、介绍环境，对音乐的理解影响着对剧情的理解。另外，演员的表情、动作的力度、韵律等都必须与音乐丝丝入扣，因此，对音乐的把握还能使你准确地评价演员的技术水平和表演能力。

这是一种第一次世界大战前后在西方兴起的舞蹈流派，是芭蕾（古典舞蹈）的反动。它反对程式化和规范化的舞蹈，强调发挥个人性格特征，表现社会与个性、物与人的矛盾。现代舞又称现代派舞蹈，它的创始人是邓肯、达尔克罗兹和拉班。它的活动中心在纳粹政权统治德国以前在德国，30年代以后移到美国。现在现代派舞蹈已遍及全世界，但仍以美国的流派最多、水平最高。当今现代派舞蹈的分支很多，互相之间的观点差异很大。例如美国现代舞大师格雷厄姆，她强调“舞蹈应剥开那些掩盖着人类行为的外衣”，“揭露出一个内在的人”，因此，她力图通过人的下意识的、原始的动作，去挖掘人的潜意识或是心灵深处的阴暗角落。她的学生坎宁汉却主张舞蹈动作应完全无含义。他说：“我从来不要一个演员去想某个动作意味着什么，这正是我不喜欢和格雷厄姆一起工作的原因。”他的舞蹈被称为“偶得舞蹈”，也就是对动作不做预先设计，只要演员偶然想到一个动作，就让他根据“个人的特点无所畏惧、无所隐晦地表现出来。”还有的现代派舞蹈认为人体是舞蹈情绪的障碍，就用一个弹性尼龙袋把人裹起来；又有的人认为任何服装都会妨碍人的自然动作的表情，所以出现了表现十分严肃内容的裸体舞蹈。

现在国际舞坛上出现了一种新的趋势，就是古典芭蕾和现代舞不再对立和排斥，而是相互借鉴、融合，因此产生了一种新的芭蕾：现代芭蕾。